BERND LOHAUS
Düsseldorf 1940 — Anvers 2010
La sculpture de Bernd Lohaus est remarquée dès 1969 lors de l’exposition « When Attitudes Become Form » de Harald Szeemann à la Kunsthalle de Berne. Dans sa sculpture Bernd Lohaus utilise des matériaux puissants et denses tels le bois d’azobé, il privilégie l’usage d’éléments qui ont déjà servi – cordes, planches, cubes de bois, portant les traces de l’industrie et du temps, chargés et enrichis d’un passé dont ils témoignent. Une combinaison de formes sobres, massives et sculpturales, puissamment expressives, parfois décrites à la craie avec des fragments linguistiques énigmatiques et forts, comme des exclamations poétiques picturales, voilà ce qui constitue depuis des années le travail de Bernd Lohaus. Si son intervention est réduite à de simples actions, la disposition intuitive du bois à elle seule est un langage. Elle relie la matière à la spiritualité. Ses œuvres sont incluses dans de nombreux Musées en Belgique, en France et en Allemagne.

GÜNTHER FÖRG
Füssen 1952 — Freiburg 2013
La carrière de Günther Förg débute au début des années 1970, alors qu’il étudie à l’Académie des Beaux-Arts de Munich. Pendant ses études, Förg a développé une pratique fondée presque exclusivement sur le monochrome gris et noir. Ces premières recherches sur le gris – également appelées peintures « Gitter », marquent le début d’un engagement de toute une vie dans le conceptualisme. Selon Günther Förg « le gris n’est rien : ni blanc, ni noir. Quelque chose entre les deux. Je ne suis pas concerné par la figure. Quelque chose de libre ». Bien que l’artiste ait par la suite intégré la couleur dans ses séries monochromes, son utilisation du gris représente une base neutre à partir de laquelle il a conçu son œuvre. Son travail de peinture et de photographie est désormais représenté dans la plupart des Musées et collections internationales.

PETER JOSEPH
London 1929 — Stroud 2020
Au fil des décennies, Peter Joseph s’est consacré à la recherche du potentiel dans la contrainte. Il a été acclamé par la critique dans les années 1970 pour ses peintures bicolores méditatives, qui plaçaient un rectangle dans un cadre d’une teinte plus sombre. Ces premières œuvres se caractérisaient par une symétrie parfaite, où chaque décision en matière de couleur et de proportion pouvait être considérée comme une évocation du temps, de l’humeur ou du lieu. Bien que comparable au travail de Mark Rothko et de Barnett Newman, l’œuvre de Peter Joseph était une souche anormale du minimalisme : son allégeance allait autant aux maîtres de la Renaissance qu’à ses contemporains.
Plus récemment, dans les années 2000, son format s’est écarté de son « architecture » établie pour diviser la toile en deux plans, horizontaux ou verticaux, dans lesquels les coups de pinceau libres, font appel à de nouvelles sensations. Quant aux peintures de sa toute dernière période elles font penser à cette affinité qu’avait le peintre avec le ciel et le paysage depuis son atelier à Stroud, en Angleterre. Il y a une liberté dans la composition, la touche devient à la fois dynamique et souple, laissant en de nombreux endroits des zones non peintes, créant ainsi un nouvel espace. Peter Joseph est l’un des grands peintres contemporains de la couleur, de la lumière, de l’espace et du mystérieux espace intermédiaire.